התקנת צילום

העולם של צלם מחיה דימויים לחיים ואז רכוש אדם זה, תאגיד או אספן מוסדי שבונה אוסף אמנות, או מרחב ציבורי, את היצירה הזו. השותפות עם קבוצת “הדמיה” חשובה לאמן שמתבקש לייצר עבודה מעבר למה שהכלים והמשאבים שלהם יכולים לספק. יש את הידע שמקורו בניסיון של שנים, פיתרון בעיות וביצועו מאות פעמים שצלמים יכולים למנף בעת שימוש באנשי מקצוע מיומנים כדי לעזור לאומנות שלהם לצאת אל מעבר לחדר האפל או לסטודיו. ישנן מעבדות צילום רבות המסייעות לצלמים להחיות את תמונותיהם, אך לא כל המעבדות שוות בעזרה לצלם. סוג מוסד ההדמיה המספק “שירות מלא” לצלמים הופך לנדיר בגלל שינויים בלתי הפיכים בענף הצילומים.

הניסיון הוכיח כי כלפי מעלה של “90% מהצלמים לא באמת יודעים מה הם רוצים או צריכים.” מבחינה היסטורית צלמים, לאחר פיתוח הצילום הראשון בשנת 1826, למדו על ידי ניסויים ואז חניכות את מה שצריך כדי ליצור צילום ואז לשווק אותו. מאוחר יותר, הוראת הצילום כמדיסציפלינה וכצורת אומנות הפכה זמינה בחלק ממוסדות החינוך. אבות החינוך לצילום מודרני בארצות הברית היה הפיקטורליסט יליד אוהיו, קלרנס ה. ווייט, חבר מייסד הפוטוש-סשנסיון בשנת 1902. ווייט החל ללמד צילום בשנת 1907 במכללת המורים לקולומביה ואחר כך במכון ברוקלין. לפני שהקים את בית הספר לצילום קלרנס ווייט בניו יורק בשנת 1914. “

ניתן ללמוד צילום, אך לא תמיד הצד העסקי הוא חלק מכל תכניות הלימודים. לפעמים זה שילוב של עבודה קשה, השכלה ומציאת מנטור. האמן צריך להתחיל באמת לחשוב על הדימוי לפני שהיא צולמת. התמונה המקורית שיצר הצלם מציבה את הציפיות למה שהתמונה יכולה להפוך. כדי לפרש ביטוי שאנו שומעים לעיתים קרובות: ניתן לשפר דימוי נהדר, אך אי אפשר להפוך את הדימוי שנעשה בצורה גרועה. מה האמן מנסה לומר? מה החזון של האמן להצגת היצירה? כאמנים, כולם מסכימים כי כל זה קשור לתדמית. התמונה חשובה ביותר, ללא קשר למה שימש לצילום התמונה. עם זאת, מעשית, נושאים בסיסיים כמו ציוד המשמש ואיכות גודל קובץ תמונה, גלם דיגיטלי או JPEG או סרט כן משפיעים על התמונה. לאחר מכן, יצירת התמונה, בחירת התמונה הטובה ביותר, הצלם יכול להחליט כיצד הם רוצים שהתמונה תוצג.

אמנים צריכים לחשוב לא רק מה הם רוצים בדימוי, אלא מה הם רוצים לצאת מהתדמית – כלכלית. כלכלה חשובה. לתמחור של מתקנים יש כמה מרכיבים חשובים: עלויות הפקה, עמלות, מה שהאמן רוצה לעשות והכי חשוב – תקציב הפרויקט איתו הקונה צריך לעבוד. המדפסת או הפברנט היא שתעזור בעלויות הייצור, ואולי חשוב מכך, סיעור מוחות רעיונות כיצד לעמוד באתגר ההתקנה היצירתי של הקונה.

ישנן כמה קטגוריות למחשבה על מה התמונה עשויה להיות, ומי עשוי לרצות אותה. ישנם גלריות, מוזיאונים ואספני צילום רציניים המהווים קטגוריה אחת שתוכל להיות ברשימת כל צלם האמנות הרציניים. יש אחריו שוק האמנות המסורתי לצילום, כמו אלה הזמינים באתרי צלמים רבים או סוכנויות מניות. אפשר לכנות זאת כ”אמנות דקורטיבית “. זה לא אמור להיות בעל קונוטציה רעה מכיוון שמספר צלמים נחשבים שכעת התחילו למכור את עבודתם לפלח השוק הזה. אבל אז, ישנו שוק אומנותי המתעלה מעל האמור לעיל, ונראה שהוא מושא לאמנות יפה. תצלום שלוקח מצגת או סידור מסוים יכול עדיין להיות מושא לאמנות שיש לבקר וללמוד. שוק מאוחר יותר זה הוא המקום של אוספים ארגוניים, מוסדיים ומרחבים ציבוריים. קטגוריה אחרונה זו היא המקום בו צלמים רציניים יכולים למצוא תגמול כספי נוסף על עבודתם המסייע להם להמשיך בקטגוריה הראשונה.

בתור אמנים, אנו לא חושבים לעיתים קרובות כיצד ניתן להציג תמונה בצורה הטובה ביותר. אנו גם לא תמיד שוקלים מה רוכש או יועץ אמנות עשוי לרצות. הצגת תמונה בגלריה לרכישה על ידי אספן שונה מהותית ממה שניתן לבקש להתקנה. אומנים מסוימים יפיקו את עבודותיהם רק כפריטים קולקטיביים המוגדרים על ידי גודל שהם רוצים להשתמש בהם כדי ליצור תחושת אינטימיות או לפיקוד על מרחב. בלי קשר, יש מגוון אינסופי של אפשרויות לגימור, בין אם ממוסגרים או רכובים? אם זה מורכב, האם ניתן לעשות זאת בצורה הטובה ביותר על נייר, קנבס, אלומיניום או מתכת אחרת, לוח אמנות, “קצף גאטור”, “סנטרה”, זכוכית, אקריליק או שילוב כלשהו? האם צריך להדפיס “Duratran” כדי להעביר אור, או להדפיס על ויניל כדי לאפשר התקנה כמו טפט? האם המצגת היא הטובה ביותר בצבע, או להמרה לתמונה בשחור לבן להצגת מצגת אחרת?

המקור, כפי שנלכד, מועתק פעמים רבות בצורה הטובה ביותר בספקטרום הצבעים הניתן על ידי טבע האם. לרוע המזל, מה שנלכד במצלמה עשוי לא תמיד לשחזר נאמנה לזכרנו. ואם האמן זקוק לעזרה בהתרבות, על קובץ התמונה לפעול בהתאם למוסכמת קבצי צבע (RGB, Adobe, RGB), שמעבדה יכולה להשתמש בה כדי לייצר את התמונה לשביעות רצונו של האמן. יחד עם זאת, ישנן השפעות רבות לאחר הייצור בהן ניתן להשתמש כדי להמשיך ולנהל את מראה התמונה. החדשות הטובות והרעות הן שיש מגוון אינסופי של אפשרויות שיש לבצע. אבל הבחירות הללו הן מה שמייחד את עבודתו של האמן ושלהן.
הלקח הקריטי שנלמד הוא שהשגת הזדמנויות התקנה גדולות בהתאמה אישית עם תאגידים או אספנים מוסדיים הייתה צעד חשוב, מכיוון שהכסף שהתקבל לפרויקטים בהיקף נרחב שהעניקו אמנים יכול לסייע בתמיכה בהזדמנויות אחרות לאמנות יפה. הרבה מההזדמנויות הללו מגיעות, אם לא דרך מפה לאוזן, אז דרך רשת של יועצי אמנות. השיעור הביקורתי השני שנלמד היה עד כמה חשוב לקיים מערכות יחסים. כדי לפרש מחדש קטע ישן, לעולם אינך יודע היכן, מתי או כיצד יופיע ההזדמנות הבאה. מה שאתה יודע הוא שהתוצאות החיוביות שלהן נובעות מקיום קשר ובניית רשת תומכים. יש גם שיעור שלישי. להצליח כשדלת נפתחת, היא להיות כנה, כנה, ועוקבת אחר מה שאתה אומר שתעשה. חשוב להיות מתקשר ומוכר טוב בדיבורים על היכולות שלך, להציג את עצמך בצורה חיובית ולנקוט בגישה שאפשר לעשות (לא מדוע אי אפשר לעשות רעיון או מושג). אמירת “כן” ואז להבין כיצד לעשות את הנדרש מאלצת את הצלם להתמודד גם עם הבלתי אפשרי, ובו בזמן ללמוד דרכים חדשות וטובות יותר להציג ולהציג עבודה. איך ייתכן שאמן יכנס לשוק האמנות היפה הזו? במובנים מסוימים, זה מעבר לשליטתו. זו התיאוריה של “מקום נכון, זמן נכון”.

למד את “השיחה” כדי לשכנע את אותם אנשים שעבודתך ראויה לרכישה. “הצהרת האמן” חשובה באופן קריטי, אך אנשים לא מבלים בזה מספיק זמן. אם מישהו לא מבין את האמנות, הוא עלול לא לקנות אותה. הצהרת אמן עוזרת לצופה להבין מה האמן עשה או מתכוון כך שהצופה ממש יכול “לקנות בו”. ככל שתמונה יכולה להיות רצויה, האמן צריך להיות פתוח להתקנת התמונה שלהם על מדיות שונות, למשל על מתכת ולא על נייר, מחולק למספר פאנלים, ולא על 11 “x14”, או משולבים במטריקס של צבע ושחור לבן. “ציור קיר” מביא תמונה לרמה אחרת הן בהערכה חזותית והן בבחינה ראויה המתאימה לחלל (גדול או קטן) אך גם אינטלקטואלי.

חשוב להקשיב. ההבנה של מה הקונה אומר היא קריטית. בתמונתו של קמפוס אוניברסיטת סם יוסטון-וודלנדס, היה חשוב שתיווצר תמונה שתעניק תחושה של הקמפוס, על ההיסטוריה שלו ועל אירועים חשובים. זה היה צריך להיות בגודל המתאים לחלל ולאנשים שיראו את התמונה כל יום. הוא נבנה ממספר פאנלים, הוצבו זה בזה בפשטת דיוויד הוקני 6 כמו הפשטה כדי להעביר אותו מציור קיר מסורתי למיצב האמנות המותאם אישית אליו הפך.

השכיחות והגישה למדיה דיגיטלית שינו את עסק האמנות והצילום. הגישה לתמונות נפוצה ומגוונת יותר. האפשרויות באשר לייצור והתקנת התמונות התרחבו. מה שלא השתנה עבור האמן הם שיווק ומיתוג, גישה ומיצוב האמנות. אנשים ורשתות הם עדיין בסיסיים וקריטיים להצלחה. גישה חיובית ביחס ליצירתו של האדם והיכולת לתקשר בבירור על מה מדובר, להעביר מקום וחשיבות כחלק מגוף עבודה עם כוונה אמנותית ייחודית היא גשר הכרחי בין הצופה לאמן. החשוב מכל הוא מיצוב כאמן והישאר נאמן לאמונות ונושאים המניעים יצירתיות של חזון והצגה.

Leave a comment

Your email address will not be published. Required fields are marked *